Para
mí, ella era el genio y la que fue revolucionaria en su arte, pese a sus
limitaciones, creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente
metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios
acontecimientos que marcaron su vida; lo que recuerda una vez más, que no es la
belleza lo que da vida, sino lo que se encuentra en una mirada…
Magdalena Carmen Frieda Kahlo
Calderón nació el 6 de Julio de 1907 en Coyoacán, México, por entonces un
suburbio de la Ciudad de México- id., 1954. Pintora mexicana, que a los
dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una
larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda
probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en
sus obras. En 1929 contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera; tres años
después sufrió un aborto que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y
le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya
compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora.
También son muy apreciados sus autorretratos, asimismo de compleja
interpretación: Autorretrato con
monos o Las dos Fridas.
El arte, de alguna forma, fue siempre
parte del sino familiar. Su madre fue Matilde Calderón
González, (1876-1932), hija de Antonio Calderón, un fotógrafo de ascendencia
Mexicana/Indígena e Isabel González, descendiente de un General español. El
padre de Frida, Guillermo Kahlo, (1872-1941), también un fotógrafo y artista
nació bajo el nombre de Wilhelm Kahlo en Baden-Baden, Alemania, hijo de Jakob
Heinrich Kahlo, un joyero y platero y de Henriette Kauffman, ambos judíos húngaros
que emigraron a Alemania. En 1891, a su llegada a México cambió su nombre
alemán de Wilhelm al equivalente español, Guillermo. Después de llegar a
México, pronto contrajo matrimonio con María Cárdena y tuvo tres hijas con
ella, la segunda murió días después del parto y María falleció después del
parto de su tercera hija, dejando a Guillermo solo con sus dos hijas. Las niñas
fueron enviadas a vivir en un convento y Kahlo se casó con la madre de Frida,
Matilde Calderón. Con Matilde, Guillermo Kahlo tendría cuatro hijas: Matilde
(1898-1951), Adriana (1902-1968), Frida (1907-1954) y Cristina (1908-1964), y
aunque casi imperceptible todas tuvieron alguna relación con el arte.
A
la edad de seis años contrajo poliomielitis. Fue el principio del dolor físico
que
tuvo que soportar durante toda su vida. Por la enfermedad, tuvo que guardar
cama durante nueve meses y en esos meses su pierna derecha no se desarrolló
bien, quedando muy delgada y su pie derecho se atrofió. Su padre se aseguró de
que Frida hiciera los ejercicios de fisioterapia necesarios para enderezar la
pierna, pero a pesar de sus esfuerzos, su pierna y pie quedaron deformados para
siempre.
En 1922, después de completar su educación primaria en
el Colegio Alemán, Frida entró en la "Escuela Nacional Preparatoria",
el mejor instituto de enseñanza secundaria en México. Frida deseaba estudiar ciencias naturales y
convertirse en un médico. En esta escuela, Frida se unió a un grupo llamado Los
Cachuchas, mote debido a las gorras que llevaban. Este grupo compartía las
ideas socialistas-nacionalistas de José Vasconcelos, Ministro de Educación
Pública. Su novio por entonces, Alejandro Gómez Arias, un estudiante de derecho
y periodista era sin discusión el líder del grupo.
Cuando
André
Breton conoció la obra de Frida Kahlo, afirmó que
la mexicana era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York
y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida. Frida nunca se
sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días rechazó abiertamente que
su creación artística fuera encuadrada en esa tendencia.
En
su búsqueda de las raíces estéticas de México, Frida Kahlo realizó espléndidos
retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana anterior a la
conquista, pero son las telas que se centran en ella misma y en su azarosa vida
las que la han convertido en una figura destacada de la pintura mexicana del
siglo XX.
La obra de
Frida Kahlo
La
producción de la artista mexicana es un ejemplo de ese tipo de arte que sirve
como poderoso instrumento con el que exorcizar la angustia de una realidad
hostil. El signo trágico de su existencia, marcada por la lucha contra la
enfermedad, había comenzado cuando a los seis años contrajo una poliomielitis
que le dejó importantes secuelas. En 1925 sufrió un grave accidente de tráfico
que le fracturó la columna vertebral y la pelvis. Además de imposibilitarle
tener hijos, el accidente fue la causa de numerosas operaciones futuras y de
una salud siempre precaria.
A
través de la pintura, que empezó a practicar en los largos meses de inmovilidad
tras el accidente, Frida Kahlo reflejaría de forma soberbia la colisión entre
su ansia de felicidad y la insistente amenaza de su destrucción, a la vez que
conjuraba la dualidad irreductible entre los sueños (de amor, de hijos) y la
realidad (dolor e impotencia).
Durante
la convalecencia del accidente, sin poder ni siquiera incorporarse, comenzó a
pintar tomándose ella misma como modelo principal. Le colocaron un espejo bajo
el baldaquino de su cama y un carpintero le fabricó una especie de caballete
que le permitía pintar estando acostada. Éste fue el inicio de una larga serie
de autorretratos, tema que ocupa el grueso de su producción, de carácter
fundamentalmente autobiográfico…Me
retrato a mí misma porque paso mucho tiempo sola y porque soy el motivo que
mejor conozco… En poco tiempo Frida desarrolló un vocabulario simbólico
propio; con él acompañaba sus retratos para representar metafóricamente sus
experiencias y sus pensamientos.
Influida por las ideas de vindicación de identidad que propagaba
el nacionalismo revolucionario, Frida vestía con largas faldas mexicanas, moños
trenzados con cintas de colores y collares y pendientes precolombinos. Así la
encontramos en Autorretrato
como Tehuana (1943, Colección Natasha Gelman, Ciudad de México),
representada como mexicana "auténtica" y acentuando sus rasgos
mestizos (tenía sangre española, india y alemana). Producto de esa misma
ideología nacionalista son los fondos de algunas de sus obras como el Autorretrato con monos
(1943, Colección Natasha Gelman, Ciudad de México), en el que su figura aparece
recortada sobre plantas selváticas y rodeada de animales, o aquellos en los que
retoma imágenes de la cultura precolombina, como Mi nana y yo (1937, Colección Dolores Olmedo,
Ciudad de México).
Otras
veces, como en Autorretrato - El Marco
(1938, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París), se
inspira en la imaginería popular y muy específicamente en los retablos cargados
de ese barroquismo ingenuo y colorista tan específicamente mexicano que conjuga
vívidamente lo espectacular con lo escatológico.
Una
de las formas más comunes del arte popular mexicano son los exvotos. Frida
vincula a esta tradición sus cuadros de desarrollo narrativo representando de
forma sintética los elementos más significativos y de mayor carga expresiva. El
tamaño pequeño de los cuadros y la técnica (óleo sobre plancha metálica)
proviene también de ellos.
Esta
fusión entre la temática personal y las formas de la imaginería popular se
encuentra expresada de forma emblemática en la obra Henry Ford Hospital (1932, Colección Dolores Olmedo,
Ciudad de México). A pesar del accidente, Frida esperaba que su segundo
embarazo llegara a buen término, pero su pelvis fracturada no podía acoger el
desarrollo de un niño. La traumática experiencia de un nuevo aborto fue el
origen del cuadro.
La
adopción de las formas narrativas de los exvotos tiene su mejor ejemplo en una
pieza singular titulada Retablo
(1943, colección privada). Frida había encontrado un exvoto que representaba el
choque entre un tren y un autobús; una muchacha herida yacía sobre las vías y
la imagen de la Virgen de los Dolores flotaba sobre la escena. Añadiendo a la
chica sus propias cejas y unos rótulos al tren y al autobús, lo convirtió en la
representación de su propio accidente. En la parte inferior escribió: "Los
esposos Guillermo Kahlo y Matilde C. de Kahlo dan gracias a la Virgen de los
Dolores por haber salvado a su niña Frida del accidente acaecido en 1925 en la
esquina de Cuahutemozin y de Calzada de Tlalpan."
Tras
superar algunas graves crisis de salud, y de forma idéntica a como lo hacen los
creyentes con los santos de su devoción, Frida mostró su agradecimiento a los
médicos mediante pinturas que siguen rigurosamente las convenciones del exvoto.
Muestras de ello son las obras dedicadas al doctor Eloesser y al doctor Farill.
Pero
no sólo la enfermedad fue causa de sus trastornos y metáfora de sus pinturas;
los reveses de su vida afectiva también fueron tematizados en cuadros que
constituyen depuradas síntesis simbólicas. En El corazón (1937, Colección Michel Petitjean, París),
la ausencia de manos expresa su impotencia y desesperación ante el enredo
amoroso entre Diego Rivera y su hermana Cristina. Su corazón, literalmente
arrancado, yace a sus pies y posee un tamaño desmesurado que refleja la
intensidad de su dolor. Junto a ella, un vestido femenino, que alude a su
hermana, pende de un hilo, a la vez que de sus mangas sale un único brazo que
enlaza y un palo atraviesa el hueco que ha dejado su propio corazón.
Frida y el surrealismo
La
apariencia onírica de sus imágenes propiciaba la relación de su simbología con
el surrealismo, algo que Frida Kahlo negaría rotundamente: Se me tomaba por una surrealista. Ello no es correcto, yo nunca he
pintado sueños, lo que yo he representado era mi realidad…
Frente
a las representaciones oníricas o al automatismo psíquico de los surrealistas,
los numerosos símbolos que Frida Kahlo introduce en sus cuadros poseen
significaciones precisas y son producto de la actividad consciente. Su obra se
origina y procede de una continua indagación sobre sí misma, y manifiesta los
estados de ánimo de forma precisa y deliberada, materializando las oscilaciones
entre el sufrimiento y la esperanza. El carácter simbólico de su pintura da
cauce a la expresión vehemente de una personalidad apasionada para la que el
arte es desafío y combate, lucha violenta contra la enfermedad, pero también
repliegue ensimismado hacia su yo interior y huella del reconocimiento doloroso
de su identidad maltrecha.
Yancy
KM
No hay comentarios:
Publicar un comentario